Resumo em Espanhol:

La presente investigación examina la concordancia entre la formación que ofrece la Licenciatura en Música de la Universidad de Guanajuato para su salida terminal como instrumentista en el área de boquilla circular, su perfil de egreso explícito y la realidad laboral de sus personas egresadas, con el fin de contribuir a la descripción del panorama de la enseñanza de la música en el nivel superior en términos de empleabilidad e identificar áreas de oportunidad para la mejora del programa educativo señalado y como orientación vocacional para sus estudiantes. Por medio de una metodología mixta, que incluye la aplicación de una encuesta con seis preguntas de respuesta cerrada, una escala estimativa con seis ítems y una pregunta abierta semiestructurada a las veinte personas egresadas del área, además de análisis del mercado laboral y de la estructura curricular presente en el programa educativo, se describe la predominancia de la docencia, la interpretación musical en los campos popular y académico y la gestión y administración como ámbitos de trabajo más frecuentes, lo que, a su vez, señala la necesidad de fortalecer tanto el perfil de egreso como la estructura curricular del programa educativo con contenidos tendientes a desarrollar competencias en esas áreas.

Resumo em Inglês:

This research examines the concordance between the education offered by the Bachelor of Music program at the University of Guanajuato for its terminal degree specialty as an instrumentalist in the brass family, its explicit graduation profile and the labour reality of its graduates, in order to contribute to the description of the panorama of music teaching at the higher level in terms of employability, and identify the areas of opportunity for the improvement of the aforementioned educational program and as vocational guidance for its students. Through a mixed methodology, which includes the application of a multiple choice questionnaire with six closed-ended questions, a Likert estimation scale with six items, and one semi-structured open-ended question to the twenty graduates from the area, in addition to analysis of the labour market and the curricular structure of the educational program, the research describes the predominance of teaching, musical performance in the popular and academic fields, and management and administration, as the most frequent labour spheres, which, in turn, points out the need to strengthen both the graduation profile and the curricular structure of the educational program with content aimed at developing competencies in those areas.

Resumo em Espanhol:

La confusión de una maestra de educación básica respecto al performance como práctica artística contemporánea, durante un proceso de acompañamiento para la enseñanza de las artes, es el detonante de este artículo que tiene como objetivo reflexionar sobre lo que es necesario considerar en los procesos formativos enfocados a docentes de educación básica, y que esos espacios de formación logren ser significativos y creativos. La metodología empleada es cualitativa de corte etnográfico, centrada en observaciones a diferentes procesos de formación docente en artes, su sistematización y análisis a profundidad. Los resultados del análisis brindan información sobre diversos aspectos a considerar en la formación de docentes en el campo de las artes e invitan a idear formas que favorezcan un verdadero diálogo basado en la escucha y el enriquecimiento mutuo. A partir de ello, se plantean algunos principios a considerar vinculados con el reconocimiento, la confianza y las posibilidades interdisciplinarias para que docentes que no son especialistas en artes, exploren a través de ellas y cuenten con algunas herramientas para animarse a enseñarlas.

Resumo em Inglês:

The confusion of an elementary school teacher about the contemporary artistic practice of performance, during a mentoring process for arts education, is the trigger of this article that aims to reflect on what is necessary to consider in training processes focused on elementary school teachers, and that these training spaces manage to be significant and creative. The methodology used is qualitative with an ethnographic approach, focused on observations of different teacher training processes in arts, their systematization and in-depth analysis. The results of the analysis provide information of different aspects to consider in teacher training in arts and invite us to imagine ways that favor a true dialogue based on listening and mutual enrichment. Based on this, different principles are set out, related to recognition, trust and interdisciplinary possibilities so that teachers who are not specialists in arts can explore them and have some tools to teach them.

Resumo em Espanhol:

Este artículo se enfoca en el impacto que produjo en la Educación Artística la reforma educativa provincial establecida por la Resolución del Gobierno Escolar Nº 386/88 realizada en Mendoza, una provincia de Argentina, en 1988 y que incorporó al Teatro como asignatura al currículo oficial. El objetivo es identificar el enfoque pedagógico que prescribe esta legislación para la Educación Artística y describir el modelo didáctico que se explicita para la asignatura obligatoria Teatro. La metodología seleccionada fue la Teoría fundamentada, dentro del paradigma cualitativo y se instrumentó a través de un software (Atlas-ti, V 8.1) para procesar y triangular la información obtenida de las fuentes primarias: leyes y documentos curriculares, encuestas a docentes de la asignatura Teatro y entrevistas en profundidad realizadas a personas responsables de la redacción de los documentos educativos. Se concluye que el impacto del contexto social fue determinante en las decisiones educativas, que el enfoque epistemológico de la educación artística de esta reforma fue la “educación por el arte” y que este enfoque ha determinado los contenidos y las estrategias didácticas de la asignatura Teatro, así como el rol que se prescribe para los y las docentes.

Resumo em Inglês:

This article focuses on the impact on Art Education of the provincial educational reform established by School Government Resolution No. 386/88 carried out in Mendoza, a province of Argentina, in 1988. This reform incorporated Theater as a subject to the official curriculum. The objective is to identify the pedagogical approach to Artistic Education prescribed by this legislation and describe the teaching model of Theater as a mandatory subject. The selected methodology was Grounded Theory, within the qualitative paradigm and was implemented through software (Atlas-ti, V 8.1) to process and triangulate the information obtained from primary sources: laws and curricular documents, surveys of teachers of the subject Theater and in-depth interviews carried out with people responsible for writing the educational documents. It is concluded that the impact of the social context was decisive in educational decisions, that the epistemological approach to artistic education of this reform was “education through art” and that this approach has determined the contents and didactic strategies of the Theater subject, as well as the role prescribed for teachers.

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La interacción entre el cine y la pintura ha evolucionado desde comienzos del siglo XX. Ambos lenguajes se han retroalimentado durante los últimos ciento treinta años, sirviéndose de los elementos inherentes de cada uno: mientras el cine ha recurrido a la pintura en busca de iconografía, de elementos para la ambientación histórica de una época o para copiar un esquema de luz, formas y color que contribuya a crear una atmósfera determinada –y con ello, la capacidad de lo pictórico para sublimar una imagen-, las artes plásticas han copiado nuevas fórmulas expresivas derivadas del “séptimo arte”. Tras analizar la evolución de este diálogo, en el presente texto se formula una categorización de las correspondencias cine-pintura, y se recurre al método de análisis iconográfico e iconológico del ensayista e historiador Erwin Panofsky (1892- 1968), que toma en consideración el contexto sociocultural del autor y de la obra. Asimismo, y como aplicación práctica de lo anterior, se analiza el diálogo entre la obra del pintor Francisco de Goya y el cineasta Carlos Saura, a través de la película “Goya en Burdeos” (1999), obteniendo unos resultados que ejemplifiquen dicha categorización y permitan al alumnado diseccionar y generar nuevos planteamientos artísticos.

Resumo em Inglês:

The interaction between cinema and painting has evolved since the beginning of the 20th century. Both languages ​​have used the inherent elements of each over the last 130 years: while cinema has turned to painting in search of iconography, characteristics of a historical era or to copy a light and color scheme that creates an atmosphere to sublimate an image, painting has copied new expressive ways derived from “the seventh art”. After analysing the evolution of this dialogue, this text formulates a classification of the correspondences between cinema and painting, and resorts to the iconographic and iconological analysis method of Erwin Panofsky (1892-1968), which takes into consideration the sociocultural context of the author and his/her work. Likewise, and as a practical application of the above, the dialogue between the work of Francisco de Goya and the filmmaker Carlos Saura is analyzed, through the film "Goya in Bordeaux" (1999), obtaining results that exemplify this classification and allow students to dissect and generate new artistic approaches.

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Se comparte una investigación no experimental, con diseño metodológico deductivo-inductivo y que integra lo cuantitativo y lo cualitativo, por la vía descriptiva, hermenéutica y propositiva, sobre el dibujo libre como estrategia dinamizadora de la creatividad y la autonomía, como propuesta para niños de educación inicial. Se busca responder al objetivo de analizar guías de actividades con la técnica del dibujo libre, para estimular los dominios creativos en los menores de 4 a 6 años, dispuestos como herramienta para la formación docente, para lo que se sistematiza un marco de referencias que dan soporte al diseño de la guía didáctica, compuesta de una serie de actividades que nacieron en las derivaciones de la investigación formativa, diseños y materiales suscitados en la formación docente de la carrera de Educación Inicial de la Universidad Católica de Cuenca (Ecuador), con el debido sustento curricular y que puede servir de herramienta para otros escenarios. Este estudio permite concluir que el dibujo libre alimenta significativamente la formación de una autonomía consecuente con las diversas nociones de mundo. El presente trabajo se deriva del grupo de investigación de Pensamiento Latinoamericano: Decolonialidad, Educación y Sistemas Políticos (PLADESPO).

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A no experimental research with a deductive-inductive methodological design is presented. This study integrates quantitative and qualitative approaches through descriptive, hermeneutic, and propositional methods, focusing on free drawing as a dynamic strategy to foster creativity and autonomy in preschool children. The objective is to analyze activity guides that utilize free drawing techniques to stimulate creative skills in children aged 4 to 6 years, serving as a tool for teacher training. A framework is developed to support the design of teaching guides consisting of activities derived from formative research, designs, and materials originating from the Preschool Education teacher training program at the Universidad Católica de Cuenca (Ecuador), with appropriate curriculum support that may be beneficial in other educational contexts. This study concludes that free drawing significantly contributes to promoting autonomy aligned with diverse worldviews. This work is derived from the Latin American Thought Research Group: Decoloniality, Education and Political Systems (PLADESPO).

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Este estudio examina los resultados de un proyecto de innovación educativa llevado a cabo en la carrera de música moderna y jazz de la Universidad de las Américas (Quito, Ecuador) desde el prisma de la personalización educativa, con el fin de describir sus posibles intersecciones con el aprendizaje informal de la música. Este estudio, con enfoque cualitativo, utiliza entrevistas semiestructuradas para la recolección de datos. En base a las definiciones de personalización educativa y aprendizaje formal propuestas, se ha elaborado una matriz de análisis cualitativo mediante la cual se han analizado dichas entrevistas. Los resultados muestran que existen diferentes convergencias entre el aprendizaje informal y la personalización educativa, especialmente en lo relativo a la identidad de los participantes (su formación previa) y su acompañamiento (el papel del grupo). Como conclusión, se plantea la necesidad de incluir la personalización educativa y el aprendizaje informal en contextos formales de educación musical.

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This study examines the results of an educational innovation project carried out in the modern music and jazz degree program at the Universidad de las Américas (Quito, Ecuador) through the prism of educational personalization, to describe its possible intersections with informal music learning. This study, with a qualitative approach, uses semi-structured interviews for data collection. Based on the proposed definitions of educational personalization and formal learning, a qualitative analysis matrix has been elaborated through which these interviews have been analyzed. The results show that there are different convergences between informal learning and educational personalization, especially regarding the identity of the participants (their previous training) and their accompaniment (the role of the group). In conclusion, the need to include educational personalization and informal learning in formal music education contexts is raised.

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Esta investigación es el resultado de un proceso de recolección y análisis de estudios relacionados con el uso de la Pedagogía Teatral en el aprendizaje de niños, niñas y jóvenes con Síndrome de Down, para insertarlos en el sistema educativo de manera inclusiva. El objetivo del estudio es examinar el potencial del teatro como herramienta pedagógica al interior de la comunidad escolar que permita una eficaz y profunda integración de todos y todas sus integrantes. Es un estado del arte que se configura como necesario, imprescindible y urgente para establecer estrategias a corto y largo plazo en el diseño de los modelos de enseñanza de las nuevas generaciones. Necesario, porque las personas con dificultades del aprendizaje requieren aprender sin discriminación ni sesgo. Imprescindible, porque recoge beneficios y aportes del teatro a la educación inclusiva y lo constituye como una herramienta primordial para el aula. Urgente, porque es imperioso construir un espacio educativo libre, sano, seguro e inclusivo.

Resumo em Inglês:

This research is the result of recollecting and analyzing studies related to the usage of Theatrical Pedagogy on the Down Syndrome diagnosed kids and youth’s learning process with the objective of setting them in the educational system in an inclusive way. The aim of this article is to value the potential of theatre as a pedagogical tool within the school comunity that allows an effective and deep integration of all its members. It is a state of the art which is required, essential and urgent to stablish short and long terms strategies in the teaching models design for new generations. It is required because people with learning difficulties need to learn without discrimination nor bias. It is essential because it collects benefits and contributions from theatre to an inclusive education and sets it as a primal tool for education. It is urgent because it is essential to build a free, healthy, safe and inclusive educational space.

Resumo em Espanhol:

El objetivo del trabajo presentado se centra en conceptualizar las Prácticas Artísticas Aplicadas (PAA) como una tecnología orientada a la transformación social, donde las artes constituyen formas efectivas de cuidado comunitario. Utiliza para ello tres enfoques de análisis: arte como intervención social (arte comunitario, contextual y artivista); giro afectivo y estudios contemporáneos sobre la noción de afecto en las artes. Incorpora la tecnología como sistema de conocimiento y acciones de cuidado, desde un nuevo paradigma teórico. Como marco metodológico, se realizó una reflexión crítica para determinar cómo se generan y distinguen estas prácticas artísticas y sus contextos, definiendo qué son y qué prácticas se incluyen dentro de este nuevo campo. Se analizó el concepto de tecnología en un sentido amplio y, desde un enfoque de abstracción transdisciplinaria, se reformuló la relación entre tecnología y arte tomando en cuenta las nociones de afecto y cuidado. Lo anterior permitió concluir que una epistemología de las PAA debe incorporar los conceptos de tecnología, afecto y cuidado; dado que facilitan el análisis del conocimiento artístico que va más allá de la dimensión estética. Esto permite estudiar de manera multidimensional los aspectos bioéticos y de sostenibilidad que están a la base de dichas prácticas.

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The objective of this study is to conceptualize Applied Artistic Practices (AAP) as a technology aimed at social transformation, where the arts serve as effective forms of community care. To achieve this, the study employs three analytical approaches: art as social intervention (including community art, contextual art, and artivism); the affective turn; and contemporary studies on the notion of affect in the arts. It incorporates technology as a system of knowledge and care actions within a new theoretical paradigm. As a methodological framework, a critical reflection was conducted to determine how these artistic practices emerge and are distinguished within their contexts, defining their characteristics and the practices encompassed within this emerging field. The concept of technology was analyzed in a broad sense, and through a transdisciplinary abstraction approach, the relationship between technology and art was reformulated, considering the notions of affect and care. These analyses led to the conclusion that an epistemology of AAP must integrate the concepts of technology, affect, and care, as they facilitate the analysis of artistic knowledge beyond its aesthetic dimension. This, in turn, enables a multidimensional study of the bioethical and sustainability aspects underlying these practices.

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Se aborda la singular paradoja de que el montaje cinematográfico, cuyos pioneros introdujeron en el arte del siglo XX el principio de montage, ha obviado en su enseñanza eminentemente tecnológica —una suerte de informática aplicada a las artes audiovisuales— el extraordinario potencial creador del mismo (collage, fotomontaje, montage literario, montage arquitectónico). En el presente artículo, previo a la publicación de una investigación en profundidad en forma de tesis doctoral, se presenta brevemente una serie de prácticas de montaje-collage para estudiantes de cine (y otras artes) donde se trabajan los choques creativos de imágenes y sonidos tanto en un sentido narrativo como en su dimensión más artística, crítica, poética o sencillamente lúdica. Su relación con las nuevas estéticas digitales de la remezcla, el sampler y el mash-up que hoy reinan en los contenidos que el alumnado consume masivamente en sus teléfonos móviles, ofrecen asimismo un excelente punto de encuentro intergeneracional.

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This article addresses the singular paradox that film editing, whose pioneers introduced the principle of montage into 20th century art, has continued to ignore through its eminently technological teaching—a kind of computer science applied to the audiovisual—its extraordinary creative potential (collage, photomontage, literary montage, architectural montage). In this presentation, prior to an in-depth PhD thesis on the topic, we briefly present a proposal for montage-collage practices for students of film (and other arts) where the creative clashes of images and sounds are taught in both a narrative sense and in their more artistic, critical, poetic or simply playful dimension. The relationship between montage-collage and the new digital aesthetics of remixing, sampling and mash-up —popular in the stream of content that students consume everyday on their mobile phones— could also provide an excellent intergenerational meeting point.

Resumo em Espanhol:

En el presente artículo se analizan las implicaciones educativas, artísticas y culturales que conlleva reflexionar sobre el silencio, revisando una serie de rasgos que detectamos a partir de dicha realidad, y que podemos recuperar indagando en los universos de las artes, las ciencias y la educación. La investigación se elabora a partir de una mirada auto-etnográfica, una metodología de corte cualitativo que favorece el acercamiento personal hacia las distintas facetas que se pueden escrutar sobre un aspecto concreto. Se ha optado por introducir algunas ilustraciones, que planteadas desde la Investigación Basada en Artes constituyen también un relato con argumento propio en el conjunto del análisis. Nuestra práctica docente, centrada en la formación del profesorado, se enriquece incorporando elementos novedosos desde las artes.

Resumo em Inglês:

This article analyses the educational, artistic and cultural implications of reflecting on silence, reviewing a series of features that we detect from this reality, and that we can recover by investigating the universes of the arts, sciences and education. The research is carried out from an autoethnographic perspective, a qualitative methodology that favours a personal approach to the different facets that can be scrutinised on a specific aspect. It has been decided to introduce some illustrations, which, proposed from the Arts-Based Research, also constitute a story with its own argument in the whole analysis. Our teaching practice, focused on teacher training, improves by incorporating innovative elements from the arts.

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El ocho de octubre de 1988 Pauline Oliveros entró junto con otros tres músicos en una cisterna vacía con la intención de grabar una improvisación sonora. Esta cisterna, inhabilitada desde la segunda guerra mundial, podía contener ocho millones de litros de agua y generar 45 segundos de reverberación. El acontecimiento será la premisa de lo que Pauline denominará “Deep Listening” o escucha profunda, concepto central de una línea de investigación expandida hacía las pedagogías y las prácticas artísticas que propone una nueva forma de conocimiento a partir de la escucha. El Laboratorio de Investigación de las Sonoridades y la Escucha (LiSE) de la Facultad de Artes de la UNAM, nace en el año 2017 como un espacio para generar diálogos entre las dinámicas de la investigación-producción artística y los estudios sonoros. Como su nombre lo indica, son dos ejes conceptuales los que estructuran el trabajo dentro del laboratorio: la escucha y el sonido. La escucha como experiencia sensible del mundo permite aprehender la realidad desde la dimensión de lo audible. El sonido, además de un fenómeno es también un dispositivo, una herramienta transversal transdisciplinaria que, en su encuentro con el pensamiento artístico y otros saberes, posibilita la generación de experiencias de conocimiento. La propuesta pedagógica que se propone en el LiSE es la a/r/tografía, una metodología artística basada en la investigación acción que propone la figura del artista (A), como investigador o researcher (R), que a su vez se desempeña como docente teacher (T). Esta estrategia se plantea como una forma de indagar en el mundo a partir de la práctica artística centrada en los procesos, las metodologías y las exploraciones que suceden dentro y fuera del espacio educativo. En el LiSE se explora el encuentro del arte y el sonido como una forma de pensar con los oídos. Si bien este texto no pretende ser una revisión exhaustiva de la genealogía del arte sonoro, lo que busca es presentar los antecedentes de una práctica artística, su marco de referencia y su posibilidad como metodología pedagógica, pero sobre todo propone la idea de la pedagogía de las artes a través del sonido como una obra de arte colectiva.

Resumo em Inglês:

On October 8, 1988, Pauline Oliveros entered a vacant cistern with three other musicians with the intention of recording a sound improvisation. This cistern, unused since World War II, could hold eight million liters of water and generate 45 seconds of reverberation. The event would become the premise for what Pauline would later call “Deep Listening”, a central concept in a line of research expanded toward pedagogies and artistic practices that propose a new way of knowing through listening. The Laboratory for the Research of Sonorities and Listening (LiSE) of the Faculty of Arts at UNAM was founded in 2017 as a space to foster dialogues between the dynamics of artistic research-production and sound studies. As its name suggests, the lab’s work is structured around two conceptual pillars: listening and sound. Listening, as a sensitive experience of the world, allows one to grasp reality from the dimension of the audible. Sound, in addition to being a phenomenon, is also a device, a cross-disciplinary and transdisciplinary tool that—when encountered with artistic thinking and other knowledge systems—enables the generation of knowledge experiences. The pedagogical approach proposed by LiSE is a/r/tography, an artistic methodology based on action research that introduces the figure of the Artist (A), as Researcher (R), who in turn also acts as a Teacher (T). This strategy is posed as a way to explore the world through artistic practice centered on processes, methodologies, and explorations that take place inside and outside the educational space. At LiSE, the intersection of art and sound is explored as a way of thinking with the ears. Although this text does not aim to be an exhaustive review of the genealogy of sound art, it seeks to present the background of an artistic practice, its frame of reference, and its potential as a pedagogical methodology. Above all, it proposes the idea of arts pedagogy through sound as a collective artwork.

Resumo em Espanhol:

El objetivo del presente artículo es abordar el dibujo “Las cinco pieles” en conjunto con otras teorizaciones propias de la ciudad, para reflexionar sobre el entramado de postulados con los que Hundertwasser creó su obra y que fueron guía para su estilo de vida. A través de su teoría, el artículo subraya cuestiones antropológicas como la personalización del entorno y la construcción de la identidad mediante el espacio habitado, oponiéndose a la mercantilización de las ciudades y la pérdida de sentido en espacios “desterritorializados.” Esta visión antropológica destaca la necesidad de una relación activa con el ambiente que permita a los individuos reconfigurar sus identidades y el significado de sus vidas en el espacio urbano.

Resumo em Inglês:

The objective of this article is to address the drawing "The Five Skins" in conjunction with other theoretical approaches to the city, to reflect on the framework of postulates with which Hundertwasser created his work and which were a guide for his lifestyle. Through his theory, the article emphasizes anthropological issues such as the personalization of the environment and the construction of identity through inhabited space, opposing the commodification of cities and the loss of meaning in "deterritorialized" spaces. This anthropological vision highlights the need for an active relationship with the environment that allows individuals to reconfigure their identities and the meaning of their lives in urban space.

Resumo em Espanhol:

Este texto analiza una propuesta artístico-educativa desarrollada en la asignatura de Educación Artística y Plástica del Grado en Educación Infantil de la Universidad Rey Juan Carlos. El alumnado, sin formación previa en dibujo, representó imágenes neurocientíficas inspiradas en los postulados estético-epistémicos de Santiago Ramón y Cajal y en otras obras de arte clásicas. El objetivo fue comprender el potencial del dibujo como herramienta de conocimiento y técnica artística, así como integrar contenidos teórico-prácticos del arte en el currículo universitario y escolar. Tras introducir la exposición Colloquium, se presenta una selección de dibujos realizados por el alumnado y exhibidos en la Sala de Exposiciones de la Universidad Autónoma de Madrid. La muestra fomentó la participación activa del espectador y despertó el interés del alumnado por el dibujo como recurso educativo, con vistas a su aplicación futura en el aula.

Resumo em Inglês:

This text analyzes an artistic-educational proposal developed in the subject of Artistic and Plastic Education of the Degree in Early Childhood Education at the Universidad Rey Juan Carlos. The students, with no previous training in drawing, represented neuroscientific images inspired by the aesthetic-epistemic postulates of Santiago Ramón y Cajal and other classical works of art. The objective was to understand the potential of drawing as a tool for knowledge and artistic technique, as well as to integrate theoretical-practical art content in the university and school curricula. After introducing Colloquium exhibition, a selection of drawings made by the students and exhibited in the Exhibition Hall of the Universidad Autónoma de Madrid is presented. The exhibition encouraged the active participation of the spectator and awakened the students' interest in drawing as an educational resource, with a view to its future application in the classroom.